Le Théâtre Laboratoire Elizabeth Czerczuk, créé en 2017, ayant reçu son nom en hommage au « Théâtre Laboratoire » de Jerzy Grotowski à Wrocław, en Pologne, est un endroit tout à fait particulier.
Après avoir traversé un innocent petit jardin, on entre dans un univers rouge et noir, où partout d’étranges sculptures ou mannequins curieusement masqués, tendance SM luciférienne, sobres et inquiétants, créent un univers qui pourrait paraître sombre mais dans lequel on a plutôt envie de se promener en attendant le début du spectacle, passant devant les photos de Patrice Chéreau ou de Tadeusz Kantor entre autres. Ce dernier étant comme une sorte de maître pour Elizabeth Czerczuk ? 

Il ne faut pas forcément connaître par cœur le théâtre polonais pour aller voir Eros-Hypnos, ce serait un plaisir supplémentaire, il n’y a aucun doute. Mais le travail d’Elizabeth Czerczuk inspiré ici par Les Aïeux, d’Adam Mickiewicz et par Des Noces, de Stanisław Wyspiański est riche et généreux. C’est un diptyque surprenant, offrant sensations, images, rebondissements et on sent combien toute cette équipe s’allie pour rendre le public heureux, cela va sans dire, mais pour être heureuse elle aussi. Apparemment tout le monde l’est. Le texte est en polonais et un personnage finira par dire qu’on ne comprend pas si on ne parle pas en français : l’humour est dans tous les coins.

Eros-Hypnos est un spectacle entre pièce de théâtre et cirque, danse, avec une présence rendue extrêmement forte des âmes. Les âges s’étalent, de 7 à 77 ans comme on dit. Les gamins qui sont de temps en temps sur scène surprennent tant ils parviennent à entrer dans cette atmosphère pourtant joyeuse mais à priori assez éloignée pour les petits. Ils sont très sérieux, peut-être un peu trop, mais le bonheur d’être là, le bonheur de participer, se ressent. Alors, de petits diables à de véritable démons obscurs, de la Vierge aux amoureux perdus et éperdus, tout se mêle, des références mythologiques, religieuses ou païennes s’allient et se renforcent, et les images, les chants, cette musique puissante soutiennent le tout.

L’apparition régulière d’Elizabeth Czerczuk est une apparition tout court, pourrions-nous dire. Un personnage comme puissant, sombre et lumineux, oui, les deux, comme une déesse, un symbole, la vérité dans le sombre, le feu et la paix. Ce sont les impressions qui peuvent ressortir d’Eros-Hypnos, alors oui, on est époustouflé, fasciné, avec un peu de mal à redescendre sur terre et c’est tant mieux, ça fait du bien.

Nicolas Brizault-Eyssette

Les danseurs bondissants et solaires déboulent dans la boîte saturée de techno, et, comme toujours au Théâtre Elizabeth Czerczuk, nous hypnotisent ou nous enjôlent. Tour-à-tour, les compositions originales jouées sur scène par les musiciens-comédiens et la bande son soigneusement choisie sont époustouflants de justesse, raccord avec la chorégraphie et la machine à émotion.

Avec Eros-Hypnos, l’écriture laisse moins de place aux rictus déments de personnages à la mécanique détraquée, aux gestes saccadés de pantins pathétiques et merveilleux. Elle aménage plus que dans les précédentes créations un espace d’humanité souriante, plus fragile. En effet, on ne peut plus parler de fragilité quand la folie s’est imposée. La fragilité, c’est avant la folie. Là, les femmes et les hommes, par couple ou tous mêlés font une danse d’énergie vitale, sur terre et aux enfers.

Est-ce, théâtre et danse mêlés, le parti-pris romantique d’Elizabeth Czerczuk puisant aux racines des douleurs et sortilèges polonais ? Est-ce la vertu de l’âme baroque ressentie dans ses expressions intermittentes de memento mori ?  Est-ce notre œil saturé de couleur et d’ombre qui nous incite à voir une beauté plus optimiste dans Eros-Hypnos ? Le mal est présent mais le bien triomphe malgré tout, même dans la mort. Le mauvais homme est puni et nous n’aimerions pas, nous autres pauvres pêcheurs, nous retrouver à sa place. Vu ce qui nous attend, il va désormais nous falloir agir en Bons Larrons… Les démons sidérants, corneilles aux pattes griffues vengent les victimes et dévorent leur bourreau.

L’être brutal, oublieux des autres, déchiré aux enfers nous émeut pourtant. Il est le double négatif d’un Ryszard Cieslak, Prince constant inflexible sous la torture, dans l’offrande de soi, « Parce que l’homme naît sujet à la douleur et à la mort » (1). Même l’être vil ne mérite pas cette ordalie. Pleure-nous nos oublis comme nous pleurons aussi sur ceux qui nous ont oubliés.

Les tableaux se succèdent à un rythme époustouflant, confondant de maîtrise gestuelle et collective. Comment exprimer avec assez de cœur arraché la fantasmagorie de la famille aux valises-cercueils transparentes où sont emmitouflés des bébés mort-nés ? Comment expliquer qu’entendant les voix tantôt en français, tantôt en polonais, l’on ne comprenne rien et l’on comprenne tout ?

Il fait beau chercher un motif d’insatisfaction – on est atrabilaire ou on ne l’est pas -, la troupe du TEC nous enchante. Le titre Eros-Hypnos d’abord si énigmatique, éclate d’évidence quand on est confrontés aux corps splendides de cette jeunesse shootée à l’ardeur et à la grâce. Giguez voir Eros-Hypnos. Emmenez-y votre petite amie, votre petit ami, vos petits amis. Sûr que la bacchanale dionysiaque vous donnera des idées pour ce soir ; sûr que la fantaisie des noces villageoises vous entraînera dans la danse; sûr que le ballet d’une humanité souffrante et rédemptée, à chacun et à tous serrera le cœur.

Éric Desordre

(1) Le Prince constant, Pedro Calderón

Elizabeth Czerczuk réunit une vingtaine d’artistes engagés et inspirés, qu’elle dirige, en esthète visionnaire, pour dire la démesure de l’amour, sa puissance, son élan et son intemporalité.

Sur les tapisseries qui forment la tenture de La Dame à la licorne, figure, en plus de l’allégorie des cinq sens, un sixième et mystérieux élément : le sens du cœur, assorti d’une devise : « mon seul désir ».
Tel pourrait être la clé du spectacle d’Elizabeth Czerczuk, dans lequel toutes les voies de la sensibilité sont explorées pour qu’advienne le triomphe du désir, pensée par la metteuse en scène et chorégraphe sous les traits de l’Eros platonicien.
Celui-ci est « un sorcier redoutable, un magicien et un expert » : les danseurs réunis dans ce spectacle prouvent, par leur éblouissante maîtrise, qu’ils sont habités par ce démon puissant. « Tantôt il est en fleur, plein de vie, tantôt il est mourant, puis il revient à la vie », dit Platon par la bouche de Diotime : ainsi se succèdent les tableaux du spectacle pour montrer les trésors d’énergie que le désir peut faire naître.
Entre Dame à la licorne et prêtresse de Mantinée, Elizabeth Czerczuk traverse la scène en fantôme halluciné, dans une longue robe vaporeuse, comme une sibylle ou un succube.

Art total

Nourri de la tradition littéraire polonaise, le diptyque, librement inspiré des Aïeux d’Adam Mickiewicz et des Noces de Stanisław Wyspiański, puise aux sources des mythologies et des références, des figures et des styles, mêlant les genres, les âges, les origines, les récits, le païen et le chrétien, dans un syncrétisme œcuménique et fusionnel : un diable malicieux ressemble à Socrate, une mariée à la Vierge, un bouc émissaire à un martyr et des démons cagoulés à des djinns de science-fiction.
La rencontre et la combinaison entre les musiques, les danses, les éléments narratifs et les fantasmes compose un harmonieux mélange, qui fait naître de très belles images tout en illustrant la lecture structuraliste du matériau littéraire humain, selon laquelle le mythe est l’ensemble de toutes ses versions à l’exclusion d’aucune.
Selon la recommandation de son maître, Tadeusz Kantor, Elizabeth Czerczuk propose ainsi un théâtre total, servi par une audacieuse scénographie multifocale et magnifié par les très beaux costumes de Joanna Jasko-Sroka. « Il faut embrasser tout l’art pour comprendre l’essence du théâtre. Le théâtre n’a en fait pas de point d’appui spécifique. Il s’appuie sur la littérature, le drame, l’art visuel, la musique, la danse, l’architecture. » : Eros-Hypnos, otwarta brama réussit brillamment cette embrassade à la gloire de l’amour.

Catherine Robert

« Amok – Sois toujours mort en Eurydice » : Elizabeth Czerczuk crée un spectacle fascinant

Publié le 14 octobre 2024 - N° 326

L’amok, c’est cet état psychique, ce mal venu de Malaisie – et raconté notamment par Stefan Zweig – qui pousse l’individu au meurtre et à sa propre destruction. C’est un état limite,  dissociation avant la dissolution. Pour Elizabeth Czerczuk, qui propose l’aboutissement d’un long processus de création élaboré sur le plateau de son théâtre depuis le printemps, l’amok est un moment – sans retour – de perte d’équilibre. Cette fièvre destructrice qui déclenche une course vers l’abîme recouvre sa lecture du mythe d’Eurydice. Pour Orphée, le monde est déjà mort et l’appel du gouffre est impérieux. Or, les Enfers sont ce lieu où le terrestre devient immobile, où l’on s’emprisonne à la toile que tissent les démons. Elizabeth Czerczuk met en scène, en une suite de tableaux hallucinés, cette dissociation de la vie et du mouvement : elle est elle-même Eurydice, « incertaine, suave et sans impatience » comme l’énonce le poème de Rilke qui résonnera au dernier tableau, figure éthérée parmi l’agitation du monde d’en bas. L’enfer est ici orchestré par une virtuosité absolue des corps, mouvements d’ensemble chorégraphiés avec une énergie formidable.

Nul ne peut soustraire son regard ni son écoute

La virtuosité est aussi dans la musique, bribes orchestrales empruntées à Bartók (Le Mandarin merveilleux), Chostakovitch (Symphonie « L’Année 1905 ») ou Xenakis (Jonchaies) formant parfois des leitmotive ou seulement des éclats fugaces. Les musiciens sur scène y sur-impriment leurs propres variations, miroir déformant des élégies de Brahms ou Barber, accentuations endiablées et saisissantes. Le public ne peut soustraire ni son regard ni son écoute au spectacle de cette danse de mort. Comme Orphée, il en est le spectateur sidéré, nécessaire mais au fond impuissant. Pour cela, il lui aura fallu lui-même descendre, s’installer d’abord sur scène pour observer ceux qui, vivants encore, rattachés à la vie par ses émotions simples, vont bientôt rejoindre « la mine étrange où s’abritent les âmes » puis prendre leur place dans les gradins : l’aventure d’Orphée peut commencer, et se rejouer, éternellement, à chaque représentation.

Jean-Guillaume Lebrun

https://www.journal-laterrasse.fr/amok-sois-toujours-mort-en-eurydice-elizabeth-czerczuk-cree-un-spectacle-fascinant/

Une inversion de l’ordre du monde

Suivant un fil d’Ariane, nous sommes amenés à nos places désignées sur la scène même. Les comédiens, eux, s’asseyent en face dans les gradins, là où d’ordinaire les spectateurs se trouvent. Machine à écrire, les sièges de plastique noir recouvert de plastique transparent des gradins sont un clavier investis par les démons ; machine à hurler, le chœur des femmes et des hommes mêlés s’agite. Leurs déplacements saccadés font un ballet transversal qui va et vient le long des marches.

Déesses infernales, les Erinyes sont les poupées sexy, marionnettes grinçantes et désarticulées d’un Hans Bellmer qui tirerait les fils. Malgré le hurlement des succubes, épuisé par les précédentes nuits sans sommeil, je perds conscience un instant, me réveille la main dans celle d’une des Erinyes qui me sourit, me tire doucement de ma chaise, désigne au pied de celle-ci mon sac que j’oubliais. Souhaite-t-elle m’inviter à danser, comme, au début de la pièce l’avait proposé un des comédiens à une spectatrice ? Je ne suis pas le seul concerné, les autres sont à leur tour sollicités. L’Erinye n’a pas le béguin pour moi, elle ne souhaite pas non plus m’enlever pour l’Infra Monde. Par chaque démon, nous sommes lentement et irrésistiblement emmenés à nos nouvelles places, les vraies ; dans les gradins pour le temps de notre vie, celle des spectateurs. L’ordre du monde est rétabli – pour combien de temps encore ?

Des ombres habitées

Danseur du troisième cercle, virevoltant dans sa peau rouge-noire : Cerbère. De son masque de lutteur mexicain « Lucha Libre » pend les restes des fils rouges de la vie. Celle de ceux auxquels il les a arrachés. Tantôt serpent à la reptation visqueuse, tantôt chien énamouré aux pieds d’Eurydice, breakdancer Azzedine Jeddi est une boule d’énergie irradiante, escarbille volante dont la force souple concentre toute la séduction que les romantiques ont su débusquer dans le souterrain brasier. Tout de blanc, Allan Gereaud fluide et rayonnant est Orphée dans son désespoir et sa rage d’arracher Eurydice aux abîmes, en Jorge Donn au tombeau. Eurydice Elizabeth Czerczuk est derrière le miroir, n’a déjà plus de volonté propre, son âme en instance.

Aux enfers, les humains – ont-ils un jour été humains ? – sont devenus mi-hommes, mi-machines. Casqués, roues sur la poitrine, ils avancent en colonne mécanique, tels des chars inarrêtables ; les tableaux s’enchaînent dans un cliquetis de métal. Jérôme Bosch est revenu des Enfers pour partager avec nous toute leur ténébreuse beauté.

Chacune un livre en main, les Erinyes viennent au-devant des spectateurs lire les tables de la Loi. Nous sommes sermonnés par ces institutrices à répétition : « Quiconque passe de vie à trépas ne peut revenir à la lumière. » C’est marqué ici, montrent-elles du doigt. A chacun de comprendre, car le langage parlé ici-très-bas est, à ce jour, inintelligible. Eurydice est désormais loin du monde des vivants, passe de l’énergie salvatrice à tirer sur les fils du destin qui la relient à Orphée, à la gestuelle convulsive d’une poupée sans ressort, pâle dans sa robe-linceul. Orphée ne réussit pas à ramener Eurydice ; Eurydice ne réussit pas à s’arracher des ténèbres.

L’éternel retour

Dans une seconde tentative, Orphée revient à la charge, tente de convaincre Hermès de ne pas conduire l’âme de son aimée à Hadès. Hermès semble magnanime, on peut un instant lui prêter l’intention de libérer sa prisonnière ; son visage est bienveillant, il semblerait incliner à… Mais même lui – le dieu -, ne peut aller contre les lois d’airain de la nature, à l’encontre de son propre rôle. Ce n’est pas le fatum ; c’est la condition, le principe et la nécessité. Tenax contre Ténébrax. Le mythe tragique se différencie en cela des histoires de super-héros de Pulp-Fiction qu’elle ne se termine pas par le triomphe de la lumière sur la nuit. Les gentils ne gagnent pas et ceux auxquels on a attribué le mauvais rôle à leur corps défendant n’ont pas le choix, pour l’éternité.

Le retour d’Orphée aux enfers est-il une préfiguration de sa propre disparition, comme si le mythe lui-même devait être oublié ? Figure de l’éternel retour, Moitessier après son premier tour du monde en solitaire faisait demi-tour arrivé devant le port, à quelques encablures du quai, repartant pour une seconde circumnavigation. L’Ulysse de Kazantzakis, revenu à Ithaque après tant d’épreuves repartait sur la mer avec de nouveaux compagnons. Orphée répète sa quête impossible, hoquette le destin des vivants, celui un jour de n’être plus, celui une nuit de ne plus pouvoir devenir.

Bande son d’anthologie, pièces de Xenakis, Adagio de Samuel Barber. Extrême attention à l’adéquation de la musique et des tableaux. Les musiciens sur scène prêtent aussi leurs talents de comédiens à la pièce, pèsent beaucoup dans la réussite de cette plongée apnéique. Au-dessus de tout cela, un requiem polonais de Penderecki qu’on n’entend pas mais qu’on entend.

Plus dense, plus ramassé encore que Dementia Tremens, Amok est de ces expériences de théâtre total dont on sort ébloui, paradoxe pour un voyage dans le gouffre. Courrez voir Amok, ce joyau. Son feu sombre rougeoie en pulsation de vie – nous sommes vivants – dans l’écrin noir du Théâtre Elizabeth Czerczuk.

Éric Desordre

Amok – T.E.C. Théâtre Elizabeth Czerczuk, 20 rue Marsoulan 75012 Paris

https://rebelles-lemag.com/2024/10/19/amok/

Amok et suite : Elizabeth Czerczuk continue sa transe hypnotique.

Publié le 25 septembre 2024 - N° 325

Après Dementia tremens, Elizabeth Czerczuk s’enfonce dans les gouffres amers de l’âme humaine. Elle part cette fois-ci à la recherche des effets de l’amok, cette folie des Indes née d’un excès de soleil et de chaleur suffocante. Romain Rolland, dans la préface à la première édition française du roman éponyme de Stefan Zweig, décrivait cette fièvre métaphysique comme « l’enfer de la passion au fond duquel se tord, brûlé mais éclairé par les flammes de l’abîme, l’être essentiel, la vie cachée ». Élève des grands maîtres du théâtre polonais, lectrice des théoriciens iconoclastes et torturés, Elizabeth Czerczuk, en pythie radicale, plonge le spectateur « dans une atmosphère psycho-délirante à travers un dispositif scénique où s’entremêlent la folie des artistes et celle des spectateur », pour faire naître une « méta-forme théâtrale abolissant la barrière entre émetteur et récepteur ».

Une troupe virtuose

Quinze comédiens-danseurs et un quintet musical quittent la folie salvatrice qu’illustraient Le Cri d’Yvona et Aujourd’hui, c’est mon anniversaire pour aborder les rives de la démence pure et en cartographier l’inconnu, en faisant leur le cri du poète : « Verse-nous ton poison pour qu’il nous réconforte ! Nous voulons, tant ce feu nous brûle le cerveau, Plonger au fond du gouffre, Enfer ou Ciel, qu’importe. » Tout en méandres et en soubresauts, le spectacle rompt avec les dispositifs scéniques classiques et fragmente les procédés dramaturgiques narratifs. « Les comédiens-danseurs, telle une marée de détresse et d’effroi, entraînent les spectateurs dans les désordres de l’inconscient, l’orchestre les tire dans des profondeurs proprement démoniaques ». Comme Jean, le voyant de Patmos, Elizabeth Czerczuk fait de l’apocalypse une révélation.

Catherine Robert

https://www.journal-laterrasse.fr/amok-et-suite-elizabeth-czerczuk-continue-sa-transe-hypnotique/

Elizabeth Czerczuk entraine sa troupe virtuose dans les abîmes de l’ « Amok »

Publié le 23 avril 2024 - N° 320

Elizabeth Czerczuk entraine sa troupe virtuose dans les abîmes de l’ « Amok » La nouvelle création d’Elizabeth Czerczuk entraine sa troupe virtuose dans les abîmes de l’amok, emprise mentale destructrice venue d’Asie. Musiciens, danseurs et comédiens se plient à ses effets dans un bal hypnotisant qui témoigne d’une incroyable maitrise des genres. Un moment hors du temps que l’on conseille fortement.

Au TEC, un nouveau processus créatif s’invente sous les yeux du public. Avant d’être présentée dans sa forme définitive en octobre prochain, la nouvelle pièce de la metteuse en scène, Amok, prend forme. Au menu, la descente brutale et destructrice des âmes humaines vers la démence, la folie, dans une incroyable mise en scène de la brutalité du monde où chacun entraine l’autre dans sa chute. Et cela commence dès l’installation du public, invité à s’encorder pour rejoindre les gradins d’une scène à trois niveaux, accessible par un plateau incliné, plongé dans l’obscurité et animé par un orchestre (qui jouera du début à la fin de la pièce). Elizabeth Czerczuk, en maitresse des lieux attentive, veille à l’installation de son public et de ses interprètes, puisque c’est dans les rangs des gradins face à nous que les « comédiens-danseurs » débutent l’envoûtement qui durera une petite heure. L’amok, qui se définit comme une rage incontrôlable, une pulsion suicidaire, ou encore un comportement meurtrier sans discernement, se donne ici à voir dans une chorégraphie théâtralisée magistrale, s’immisce sournoisement dans les corps que les « musiciens-acteurs » dirigent, et caresse avec affront les spectateurs à travers le regard ahuri des interprètes.

Les profondeurs de l’âme humaine, mises à nu

Ensemble, ils composent ce que l’on pourrait appeler une bande de dégénérés, de déviants ou d’inaptes. Ambiance taverne alcoolisée, chamailles quotidiennes et passions cruelles s’incarnent dans des langues allant d’un amusant franglais à un approximatif arabe, en passant par des bribes de paroles non identifiées. Une femme pleure et implore alors que le saxophoniste descend de l’orchestre pour rejoindre la piste. Bientôt un habile déménagement nous met en garde : l’amok nous guette et nous pourrions bien prendre la place de celles et ceux qui nous font face. La transe poursuit son cheminement et la chorégraphie, qui propose de merveilleuses lignes et une grâce captivante, semble être le seul moyen de contrôler les corps. Car les esprits semblent chercher, tout de même, une issue de sortie. Ils ne la trouveront ni dans les livres, ni dans la musique, qui jusqu’au bout nous accompagne. Se libère-t-on vraiment de l’amok ?

Louise Chevillard

https://www.journal-laterrasse.fr/elizabeth-czerczuk-entraine-sa-troupe-virtuose-dans-les-abimes-de-lamok/

THÉÂTRE ELIZABETH CZERCZUK / D’APRÈS WITOLD GOMBROWICZ / CONCEPTION, MISE EN SCÈNE ET CHORÉGRAPHIE ELIZABETH CZERCZUK

Publié le 16 octobre 2023 - N° 314

Hors norme, le Théâtre Elizabeth Czerczuk dont le bar est peuplé de mannequins insolites préfigure d’emblée l’originalité du geste artistique de la comédienne et metteure en scène. Un geste irrigué par son attachement aux maîtres de l’avant-garde polonaise des années 1950-1970 – Tadeusz Kantor, Jerzy Grotowski, Henryk Tomaszewski –, et par l’œuvre de ses auteurs de prédilection, Stanislaw Ignacy Witkiewicz (1885-1939) et Witold Gombrowicz (1904-1969), dont Yvonne, Princesse de Bourgogne est l’une des œuvres emblématiques. La fascination d’Elizabeth Czerczuk pour la princesse martyre est selon ses mots « un fil rouge de son travail artistique », qui en 2019 fit naître Yvona, auquel elle ajoute aujourd’hui un cri pour en accentuer l’expressivité radicale. C’est en effet ici l’expressivité des situations qui impressionne, au fil d’une partition quasi sans paroles qui conjugue savamment les effets de la danse, du mime et de la musique. Comme toujours dans ce théâtre, la pièce est conçue comme une plongée immersive et onirique qui interroge le public. Le spectacle orchestre avec précision et acuité une succession de scènes qui disent les heurts et les pulsions qui surgissent dans une société gangrenée par des conventions hypocrites et des repères pervertis, qui se détournent du sort des miséreux et des êtres à la marge.

Un étonnant théâtre corporel et plastique

De petit groupes se font et se défont, figures exubérantes unis par la fête ou pantins marionnettiques soudés par une visée militaire. Vêtus de superbes costumes créés par Joanna Jasko-Sroka, les personnages sont ancrés dans des mécanismes qui accentuent la violence des relations. Un curé qui exulte, des soldats dociles, une cour fêtarde, et Yvonne, princesse, mutique, apathique et laide, qui cristallise les tensions et la haine. C’est Élisabeth qui l’incarne, dans une présence irréductible, touchante, innocente, une présence qui même entravée et moquée s’oppose à la laideur morale du monde, se fait victime expiatoire et miroir de la décadence. Élément structurant très important du spectacle, la musique galvanise la dramaturgie. La trame initiale de la pièce, avec le Prince qui se fiance à la Princesse par défi et l’introduit à la cour, n’est pas si lisible dans cette création hybride, mais peu importe. Spectaculaire et saisissant, ce théâtre corporel et plastique impeccablement modelé par les seize interprètes raconte aussi, à sa manière, l’histoire cruelle d’Yvona.

Agnès Santi

https://www.journal-laterrasse.fr/le-cri-dyvonna-concu-et-mis-en-scene-par-elizabeth-czerczuk-frappe-par-son-expressivite-spectaculaire/

THÉÂTRE ELIZABETH CZERCZUK / D’APRÈS YVONNE,

PRINCESSE DE BOURGOGNE,

DE WITOLD GOMBROWICZ / MISE EN SCÈNE ET

CHORÉGRAPHIE D’ELIZABETH CZERCZUK

Pourquoi ces retrouvailles avec Yvona ?

Elizabeth Czerczuk : Il ne s’agit pas d’une recréation : pour moi, la création est continue. On évolue, on apporte un nouveau souffle à chaque représentation. L’essence du spectacle vivant est de se réinventer chaque fois. A l’instar de notre corps, dont les cellules se régénèrent sans cesse, ou de notre psyché toujours mouvante, notre interprétation et notre vision du spectacle fluctuent. En 2019, j’avais pris pour titre Yvona. J’y ajoute aujourd’hui la mention de son cri, comme un symbole d’une radicalité et d’une expressivité accrues. La princesse martyre est depuis des années le fil rouge de mon travail artistique. J’ai joué ce rôle dès mon spectacle de fin d’études en Pologne ; j’ai travaillé la pièce avec les élèves de l’école du Théâtre de Chaillot ; je l’ai reprise après avoir créé le Théâtre Laboratoire, puis en 2019, et enfin aujourd’hui.

« LA PRINCESSE MARTYRE EST DEPUIS DES ANNÉES LE FIL ROUGE DE MON TRAVAIL ARTISTIQUE. »

Pourquoi une telle fidélité ?

E. C. : Parce que le mutisme d’Yvona m’a toujours interrogée. Gombrowicz considère que tout ce qui n’est pas domestiqué et ordonné est indicible et condamné au mutisme. Ce mutisme me fascine et je lui cherche la forme la plus adéquate. Non seulement par la gestuelle, mais aussi par le verbe, lequel ne passe pas forcément par la parole : sous la torture des conventions et des quolibets, le cri de la victime effrayée est aussi celui d’un être qui cherche à naître. Chez Gombrowicz, Yvona se distingue des autres princesses par sa rébellion. En l’exhibant devant la cour tel un miroir, le prince l’expose à la haine de ceux dont elle devient le reflet : le monde ainsi déstabilisé ne peut que chercher à l’anéantir. Sans pour autant m’opposer à mon aîné, je trouve dans l’attitude de notre commune héroïne un matériau dramatique digne d’être sculpté, ciselé, pour aboutir à une forme radicale susceptible de rendre évident le sens emprisonné dans le silence d’Yvona.

Que se passe-t-il d’autre au T.E.C. ?

E. C. : Nous préparons la troisième édition du festival des Formes Radicales, qui aura lieu du 7 au 10 décembre, avec le concours d’artistes de toutes les disciplines (danse, théâtre, arts plastiques, etc.) à des installations, des spectacles et des concerts. Le festival commence le 7 décembre avec Amok, librement inspiré d’Antonin Artaud, étape initiale d’un nouveau processus de création dont la grande première aura lieu au printemps 2024. Nous reprenons aussi en novembre prochain Aujourd’hui, c’est mon anniversaire, spectacle monté d’après la dernière partition de Tadeusz Kantor. Et nous continuons évidemment les classes de maître, dans le cadre du Laboratoire d’Expression Théâtrale. Sans parler d’un hommage à Sarah Bernhardt, pour le centenaire de son décès.

Propos recueillis par Catherine Robert

Elizabeth Czerczuk – TEC ©Woytek Konarzewski

Elizabeth Czerczuk, comédienne, metteure en scène, directrice de théâtre, docteure en art dramatique, est une des plus illustres représentantes de la culture polonaise en France. Elle vient de recevoir le prix de la culture 2021, remis par l’ambassadeur de Pologne. Au sein des institutions qu’elle a côtoyées lors de ses années de formation, les conservatoires nationaux supérieurs d’art dramatique à Cracovie, où elle a pu plonger dans l’univers de Tadeusz Kantor, à Paris, où elle a collaboré entre autres avec Daniel Mesguich, elle joua les œuvres des grands personnages qui ont révolutionné le théâtre au XX^e siècle. Dans la lignée des Gombrowicz, Witkiewicz et Grotowski, mais aussi inspirée par le mime Marcel Marceau et la chorégraphe Karine Saporta, elle en convoque aujourd’hui les mânes dans nombre de ses propres créations au TEC (Théâtre Elizabeth Czerczuk). Ses pièces – expressions d’art total – sont des révélations secouantes et électriques, à la beauté convulsive.

Le TEC est à la fois une salle de spectacle et une école de théâtre, consacrées à la création contemporaine et à la recherche théâtrale. Situé rue Marsoulan, toute proche de la place de la Nation, le TEC est aussi un lieu de résidence pour les auteurs, les compagnies invitées, un centre de conférences et un lieu d’expositions d’œuvres d’art. Elizabeth Czerczuk tient au travail protéiforme de son théâtre et à son usage multifonctionnel.

Petit bureau sombre derrière le foyer. Meublée de noir, cette pièce toute monacale est à peine égayée par deux tableaux abstraits. Contraste tout de sobriété avec le reste du théâtre, constellé d’éclats de rouge, de rose. Les mannequins de vitrine de confection portant loups et bas résille y semblent à chaque angle de couloir vous inviter à avancer plus loin dans le libertin et le déconcertant. L’interview qu’Elizabeth Czerczuk nous a accordée tombe à pic pour enrichir le dossier programmé pour février prochain : « L’art peut-il sauver le monde ? » Il nous faut respecter les distances physiques – et non pas sociales, quelle bêtise que la notion de « distanciation sociale » !… – Elizabeth Czerczuk me désigne un fauteuil tapissé au point de croix d’un moderne-chic décor baroque et s’assied derrière son bureau faiblement éclairé. Nous pouvons commencer.

Rebelle(s) – Vous semblez dans vos œuvres vouloir exprimer par le corps ce que vous pourriez avoir plus de mal à dire, du fait de la difficulté de passer d’une pensée à l’autre, d’une langue à l’autre.

Elizabeth Czerczuk – Il est certain que la langue polonaise est plus aisée pour moi, et que la résurgence des sources de l’émotion, la forme pour les exprimer me viennent plus spontanément au travers des corps. Mon expression verbale est chaotique. Cependant, je n’incrimine pas seulement le fait d’être polonaise et d’essayer de mieux maîtriser le Français. Ou de m’ouvrir à l’autre culture, à la façon d’être. C’est très complexe. Gombrowicz, qui a laissé un héritage dramaturgique considérable, est mort ici en France (Elizabeth Czerczuk a adapté en 2017 une de ses pièces emblématiques : Yvonne, Princesse de Bourgogne). Il écrivait dans son journal qu’il est impossible, à travers quelque expression que ce soit, de transmettre tout ce qui est en nous. Il était dans la richesse de la forme. Moi aussi, je cherche la forme. Comment peut-on transmettre aux spectateurs, comment communiquer ?

Gombrowicz constatait qu’il n’est pas possible de trouver une forme pour la vie intérieure. Or nous sommes dans la société de la forme. Dans les convenances, les règlements, la technologie ; tout nous met dans la forme, nous y pousse. Par contre, notre être – ce qui nous constitue – n’a pas de forme. Il est tellement difficile de sortir quelque chose de nous qui ait une forme. Ce qui est déjà en forme est une hypocrisie. Le personnage d’Yvonne n’a pas de forme. Comme d’ailleurs Albertine (ndlr : personnage d’une autre pièce de Gombrowicz : Opérette). Est laissé au metteur en scène ou au lecteur le soin de donner une forme au personnage.

Rebelle(s) – La société est pleine de diktats formels. Avec ses conventions, elle nous empêche de TOUT exprimer. Cette forme dont vous parlez n’est-elle pas un autre nom pour la vérité, ce que le théâtre, justement, permet de réaliser ?

EC – Oui, absolument ! On veut transmettre sa vérité. On en cherche la forme. C’est le problème. Aujourd’hui, dans l’univers de l’art, s’exprime un groupe de « scandalistes ». Ce sont des metteurs en scène d’art « brut ». Par exemple, dans la catégorie « Sujets à vif » du Festival d’Avignon, qui promeut de jeunes artistes chorégraphes et danseurs, sont présentés des spectacles à la recherche d’une nouvelle forme. Je constate que certains de ces artistes sont plutôt des performeurs proposant une vérité brute qui leur est propre. La question est : la vérité brute existe-t-elle ? Qu’est-ce d’ailleurs que la vérité ?

Rebelle(s) – Sa propre vérité n’est pas celle de l’autre. Qui plus est, la vérité brute n’est pas articulée. Si c’est un cri, ne manquerait-il pas un langage qui est bien une expression formalisatrice, donc par essence réductrice ?

EC – C’est en partie cela (je sens une hésitation chez Elizabeth Czerczuk). Mais il faut une vérité, quelque chose qui peut toucher autrui ! Si l’on ment, on n’y arrive pas. Les mensonges ne touchent jamais. Il faut chercher. Chez les « scandalistes », les cris, le sang qui coule, le corps brutalisé résultent de cette recherche. Le corps devient un objet. Pas d’esthétique mais une sensibilité violente…

Rebelle(s) – Au-delà de la recherche, de l’expérimentation apportée par l’art brut qui repousse des limites, ne faut-il pas arriver à des contraintes choisies ?

Yvona -Théâtre Elizabeth Czerczuk ©Woytek Konarzewski

EC – Je suis d’accord avec cette philosophie. Pour moi, l’art est contemplation et construction. Transmettre une forme – même imparfaite – qui peut toucher, qui peut provoquer l’émotion chez le spectateur. Et la vérité, ce n’est pas seulement quelque chose de cru mais aussi tout ce qui se passe autour. C’est une ambiance. La métaphore du poisson dans l’aquarium montre que, si on en retire le poisson, il meurt. La mort, ce n’est pas la vérité du poisson. La vérité c’est le tout, le poisson et le contenu de l’aquarium. Autre façon de l’exprimer : une vérité, c’est ce qu’on voit, mais aussi et en même temps ce qu’on ne voit pas. Or on ne respecte pas ce qu’on ne voit pas. Il s’agit donc bien de chercher une forme à ce qu’on ne voit pas.

Rebelle(s) – Ce qu’on voit est fini, alors que ce qu’on ne voit pas est infini…

EC – Exactement ! Tout dépend alors de ce que reçoit le spectateur, de sa vérité à lui. Ma recherche théâtrale est une catharsis afin d’apporter un nouveau souffle. Dans la Poétique d’Aristote, il est question de mimésis. Mais il ne s’agit pas d’une imitation. Il s’agit de transmettre afin de pouvoir contempler.

J’ai eu la chance de vivre à Cracovie et à Wroclaw, grandes villes de création théâtrale. Au théâtre, la nuit, se tenaient des ateliers laboratoires. S’y déroulaient des expérimentations, des sortes de processus dramaturgiques comme le cycle « L’arbre de la vie ». Grotowski plongeait dans les archétypes, dans les mythes, pour toucher le subconscient du spectateur. Il a cherché toute sa vie. Il n’a créé lui-même que quatre œuvres. Ses collaborateurs ont fait connaître son travail et ont rapporté que le public était souvent choqué par les spectacles.

Sa démarche est devenue une source pour d’autres créateurs. Et c’est toujours une eau difficile à servir à notre époque.

Rebelle(s) – Qu’est-ce qui est aujourd’hui encore utilisé de ce théâtre inventé en Pologne dans les années 50 à 80 ?

EC – Tout ce qui relève du théâtre total, du comédien intégral. L’aspect physique du travail sur scène. Antonin Artaud avait commencé la révolution avec son « théâtre de la cruauté ». Grotowski (1) a continué avec le travail corporel du comédien. Déjà Artaud voulait choquer le public. Il agressait, surprenait le spectateur. Grotowski, lui, modèle l’acteur ; il l’incite à plonger en lui-même, à y rechercher ce qu’il a de sacré. Ne pas avoir peur de dévoiler ses faiblesses, si bien cachées, si bien enfouies. Cet inaccessible, Grotowski oblige à le retrouver et à le mettre au jour, en perturbant le comédien.

Le Russe Constantin Stanislavski demandait à l’acteur de retrouver les émotions puissantes de sa propre enfance afin de permettre au spectateur de croire à son personnage. L’appel à la mémoire du vécu comme outil de construction du personnage. Grotowski, lui, va chercher les archétypes comme Jung.

Rebelle(s) – Que recherchez-vous dans votre théâtre ? Comment procédez-vous ?

EC – Je recherche, à travers la vérité intérieure des artistes, comment susciter la catharsis. Beaucoup de personnages, d’images de mes spectacles prennent source dans des archétypes, entre autres, bibliques. Je me dirige avec l’intuition. Le public cherche souvent la légèreté, le divertissement. Ce n’est pas le cas de mes spectacles. Même si vous avez ressenti le dernier d’entre eux – Dementia Tremens – via la seule beauté plastique ou musicale, il y a néanmoins plusieurs couches et on peut y accéder autrement.

Rebelle(s) – Et le texte ?

EC – Le texte n’est pas tout le théâtre. Il y a aussi la lumière qui donne l’esprit ; la musique qui appuie le rythme intérieur des personnages ; le costume qui manipule et donne la forme du corps caché, provoque une démarche, une autre façon d’être. Le texte pour moi est une expérience éminemment personnelle. Quand je lis Racine dans mon coin, cela évoque des images et je n’ai pas besoin qu’on m’en impose. Par contre, quand je vais au théâtre, je veux qu’on me déstabilise, qu’on touche mes sens. Pas seulement les oreilles et les yeux, mais tous les sens. J’insiste là-dessus. Il ne suffit pas d’enfiler un costume ou de mettre une couronne d’épines pour devenir l’archétype de Jésus-Christ…

Rebelle(s) – La société est traversée par la peur, les médias distillent la peur. Le théâtre peut-il la combattre ?

EC – Le théâtre que je souhaite est le contraire de la peur. C’est donner l’espoir, faire prendre conscience que le soleil brille, qu’il y a la beauté. D’un côté, je comprends la démarche des « scandalistes » car c’est une démarche d’artistes. C’est une révolte pour autrui, pour l’Homme qui est angoissé, confronté aux psychoses omniprésentes. Mais si on ne donne à voir que des scènes de brutalité, on reste dans la nuit.

Or je suis assoiffée de lumière. Comme Platon, la beauté et la vérité ensemble. Les philosophes esthètes m’inspirent. Par exemple, le Français Eugène Véron ou l’Italien Benedetto Croce. Je suis convaincue que le spectateur est victime d’une « moutonisation » de la société et de son cortège de convenances. « Moutonisation », c’est le mot de Witkiewicz dès les années 30. Il était très lucide, il nous parlait de ce qui est aujourd’hui en jeu. C’est très difficile de sortir tout le monde – spectateurs comme comédiens – du cadre, de cet enfermement qui nous pousse vers le « trou ». On peut se perdre dans les drogues. Notre rôle d’artiste est de purifier les émotions à travers l’art.

Rebelle(s) – Quels sont vos rapports avec les autres metteurs en scène ?

EC – J’ai en fait très peu de temps pour analyser les créations des autres. Mon esthétique est différente mais certains contemporains m’intéressent. En tant que créatrice, j’ai trouvé beaucoup de valeur dans le travail chorégraphique et dramaturgique de Jan Fabre qui a bouleversé le Théâtre de la Ville. Également dans celui de Romeo Castellucci qui donne souvent ses spectacles à Avignon et dont j’admire la force, la détermination dans la recherche scénographique et intellectuelle.

Je suis pour ma part d’autres chemins. Par exemple, j’exprime mon univers au travers du corps des danseurs et ça me bouleverse.

Je suis intéressée par le travail des autres dramaturges mais ne crois pas à la mise en scène collective, à la discussion pour créer un spectacle. Je suis totalement obsédée par mon travail avec mes artistes ; je suis très investie, très têtue pour obtenir ce que je désire.

Rebelle(s) – D’où est venue votre vocation théâtrale ?

EC – Je pensais tout d’abord devenir médecin. Ma famille comptait que je fasse des études ; étant bonne élève, cela allait de soi. Mon père m’a offert un crâne afin que j’apprenne l’anatomie. J’ai compris que je préférais faire du théâtre, devenir médecin de l’âme. Ce crâne a alors éveillé en moi l’archétype de Salomé ! En cachette, je suis partie de Wroclaw, ma ville natale, pour Cracovie avec le Monologue de Salomé dans la poche (ndlr – pièce d’Oscar Wilde) afin de tenter le concours d’entrée au Conservatoire. Il y avait mille candidats… et quatre places pour les filles, six pour les garçons. J’ai réussi. Seule ma grand-mère était au courant. Avec elle, enfant, je regardais Daniel Mesguich jouer Napoléon à la télévision !

Elizabeth Czerczuk et le crâne – Salomé – festival Euroscène –

Opéra de Leipzig ©Eilzabeth Czerczuk

Je voulais m’éloigner de la Pologne, franchir les frontières pour découvrir d’autres méthodes de travail. Paris était le centre de la culture, on ne pouvait trouver mieux. J’ai passé un concours pour obtenir une bourse du gouvernement français et je suis devenue stagiaire au Conservatoire national supérieur d’art dramatique, où j’ai bien sûr choisi Daniel Mesguich comme professeur ! J’ai découvert l’école de Marcel Marceau, ensuite j’ai travaillé avec Karine Saporta à Oslo, puis au Théâtre de la Ville. Avec tout le temps un pied en France, un pied en Pologne. Et toujours avide de nouvelles techniques : le mime, les techniques d’Etienne Decroux…

Rebelle(s) – Le crâne, c’est Hamlet. Et vous faites du théâtre, c’est une image magnifique !

EC – Oui, d’une représentation de la mort à la médecine de l’âme… Comment purifier nos émotions aujourd’hui ? Passer des angoisses, des peurs à une libération.

Rebelle(s) – Qu’est-ce que ça induit, d’être polonaise en France ?

EC – Le lien avec la France est puissant. L’acte de résurrection de la Pologne a été signé en 1919 avec le traité de Versailles… Beaucoup d’écrivains, d’artistes polonais – les grands romantiques – ont vécu en France au XIX^e siècle alors que la Pologne en tant qu’État n’existait plus. Une romantique comme moi ne peut être indifférente à cela. La Pologne est plus une âme qu’une terre. Il est difficile de dire « on est Polonais, on est Français, etc. » Mon cœur de Polonaise est au service de la culture sans frontières.

Pour ce qui est de la technique structurale de l’art théâtral, je l’ai surtout apprise en France. En Pologne, ce qui était cultivé est ce dont nous avons parlé au début, le système Stanislavski, l’émotion. Par contre, pour la technique, les styles corporels, je m’en suis imprégnée principalement en France. Ma pratique repose sur le mélange de tous ces éléments.

A Paris, l’accueil des étrangers est sans égal. Je peux y profiter de la culture non seulement française mais aussi d’autres pays. Comme Pina Bausch ou Caroline Carlson au Théâtre de la Ville. Les lieux de création sont souvent dirigés par des étrangers. Cette ouverture fait de Paris un centre de la culture, à l’échelle européenne et même mondiale.

Interview par Éric Desordre

1- Jerzy Grotowski, grand réformateur du théâtre : « Le théâtre doit reconnaître ses propres limites. S’il ne peut pas être plus riche que le cinéma, qu’il soit pauvre. S’il ne peut être aussi prodigue que la télévision, qu’il soit ascétique. Il n’y a qu’un seul élément que le cinéma et la télévision ne peuvent voler au théâtre : c’est la proximité de l’organisme vivant. Il est donc nécessaire d’abolir la distance entre l’acteur et le public, en éliminant la scène, en détruisant toutes les frontières. Que les scènes les plus âpres se produisent en face à face avec le spectateur et que celui-ci soit à la portée de la main de l’acteur, qu’il sente sa respiration et sa sueur. » (Vers un théâtre pauvre.)

Prochaines dates pour le spectacle Dementia Tremens :

jeudi 3 février à 20h

samedi 5 février à 20h

dimanche 13 février à 16h

samedi 19 février à 20h

samedi 12 mars à 20h

jeudi 17 mars à 20h

samedi 19 mars à 20h

dimanche 27 mars à 16h

Vidéo de Dementia Tremens :

https://youtu.be/4nO4weSmfHk

Reportage de la télévision polonaise :

https://polonia.tvp.pl/58031129/thtre-elizabeth-czerczuk-polska-sztuka-w-paryzu-tylko-online